Archives des Minimes - Négreneys - LES ARTS EN BALADE A TOULOUSE

CONGARD Nicole

Mon parcours, hier et aujourd’hui

Je suis née dans une forêt d’immeubles en région parisienne. Depuis lors, la
nature m’est une grande source d’inspiration.
La photographie est l’histoire forte rattachée à mon père, à mon frère, à mes
compagnons. Elle m’a accompagnée de tout temps presqu’à mon insu.
De mon côté, des expositions, de peinture principalement, l’animation d’ateliers,
mon travail d’infographiste, retracent mon parcours de plasticienne.
La photo est alors un outil, pas plus.
Puis survient la période si spéciale de l’épidémie COVID et ses questions de la
liberté de mouvement.
Ces contraintes finissent de faire éclore chez moi un tout autre rapport à la photo.
Je ne la vois plus uniquement pour son côté utilitaire, mais pour elle-même, une
recherche et une pratique à part entière.
Un témoin du présent, du temps.
Un puissant révélateur des paysages intérieurs.

Mon propos; engager le corps avant l’esprit.

C’est un peu comme cela que je me mets en route avec pour la photo
qui surviendra suite à mes pas, mes déplacements.
Le sentiment de me trouver d’une grande disponibilité intérieure qui precède.
Avant la capture photographique : me laisser surprendre, me laisser envahir par cette impression que tout est possible.
La sensation aussi de commencer à lever le voile des mystères terrestres et humains; de la perte, de l’absence.
Un espace dans lequel je trouve la liberté d’exprimer une certaine mélancolie qui n’est jamais très loin.

Les lumières diaphanes, les atmosphères évanescentes, le brouillard, la brume, qui s’effacent peu à peu sont des fenêtres, des portes, pour moi, vers l’invisible, l’illisible.
Ce sont mes sujets positivement obsessionnels.

Et puis il y a cet élan de transformation ; transformer la photo. L’ancrer par une action au delà de la prise de vue.
Rephotographier la photo, y rajouter des touches de couleur; une fleur, une plume, des symboles de legereté, de fragilité…
Parallèlement, je brode des photos. Des chemins des lignes des liens. C’est également une action de transformation, exterieure et interieure.
Un travail artisanal délicat qui inscrit cette transformation, grâce au temps qu’il faut pour le faire.
Pour moi, la photographie témoigne du temps qui s’écoule,
elle parle de l’instant qui nait et qui disparait. Qui ne reviendra pas.
Elle me console de cette impermanence inévitable.
Car au-delà de nous elle laisse une trace.

MAILLARD Maëva

La photographie argentique et l’expérimentation de ses procédés alternatifs sont des moyens d’expression qui me permettent de détourner la représentation du réel pour évoquer l’indicible, et mettre en lumière l’invisible.

Par la répétition du geste et l’accueil du hasard dans mon processus créatif, je laisse la sensibilité guider la technique. Figuration et abstraction chimique peuvent se mêler pour refaçonner des paysages, et faire écho à des souvenirs vécus ou tout simplement rêvés.

La recherche de formes et de matières organiques a récemment fait évoluer ma pratique vers la prise de vue sous-marine explorant d’un autre point de vue la frontière entre rêve et réalité, entre illusion et mémoire.

TUJAGUE Christel

Les harmonies de couleurs, les motifs, les matières, les mises en scènes travaillées, sont au cœur de ma pratique artistique. Je suis également très sensible à la notion d’esthétisme. Je réalise des collages analogiques, qui combinent mon goût pour la mise en scène, les couleurs et les arts visuels.

Mes inspirations viennent de la nature, de la ville, des voyages… mais également du théâtre, de la danse, du cinéma, de la photographie… ainsi que de la représentation de la femme dans les années 50-60. Je détourne avec malice l’image uniformisée et corsetée des femmes de cette époque pour permettre à toutes les femmes, dans mes collages, d’affirmer leur singularité et de goûter à la liberté. Liberté de s’évader, de penser, d’imaginer, d’être soi…

Chacun de mes collages raconte une histoire. La femme y joue le premier rôle, avec humour et légèreté. Les animaux, la nature, les voyages s’invitent également dans mes œuvres avec, en filigrane, toujours, la liberté.

Dans mon atelier, véritable havre de paix au cœur des Minimes, je présente des collages uniques et originaux de formats divers (du 20×20 cm jusqu’au 73×60 cm), mais également des séries thématiques (Tour de France, Enfance, Signes du Zodiaque, Expressions populaires, Fables de La Fontaine, Roman photo féministe…).

WOLFARTH Jennifer

Quand on perd l’odorat, on perd aussi une partie de ses souvenirs. Les odeurs sont liées aux images du passé. Sans elles, quelque chose manque.
Pour faire face à l’anosmie, je repars de photos prises avant la perte d’odorat et des odeurs qu’elles me rappellent. A défaut de les sentir, je rends les odeurs visibles à travers des matières, des couleurs, des textures et une représentation de leur flux.
L’absence d’odeur, elle, devient noir, déchirure, vide.
Toutes les oeuvres, collage ou dessin, sont réalisées dans le cadre d’un projet “Snif-snif memory, ou comment rendre visible les odeurs ?”

FOURNIÉR Emilie

La quarantaine et des lunettes, un regard différent et multiple sur le monde…une photo documentaire engagé /décalé

FOURNIÉ Florence

TOTEM ETATS DE TERRES 20X40X120 CERAMIQUE 2021 modif

Florence Fournié Sculpteur-Céramiste
Je me souviens de mes « premiers pas en sculpture ». Mon grand-père, dans du papier journal m’amenait de la terre glaise – ocre- des bords de l’Aude. Je façonnais cette argile avec bonheur. J’ai étudié la philosophie (maîtrise d’épistémologie), la sculpture (marbre, béton) et la céramique aux Beaux-Arts de Marseille, et j’ai obtenu un CAPES d’arts plastiques. Actuellement je me consacre à la céramique. La glaise, matériau de choix, rustique ou fine me passionne par ses possibilités d’adaptations. Avec cette matière rien n’est jamais sûr ni acquis. Le séchage, la cuisson, l’émaillage, les flammes tout est un assemblage de connaissances techniques toujours en devenir. Tout l’avenir reste à explorer … Je joue avec les volumes, les vides, les pleins, les mondes souterrains, la nature, le corps féminin que de sujets qui font de la création en volume un éternel voyage. F.F.
Jean-Louis ROUGET
« Nous n’héritons pas de la terre de nos ancêtres, nous l’empruntons à nos enfants » Antoine de Saint-Exupéry.
Les hommes, par cupidité ont oublié ce message universel. Le changement climatique lié aux activités humaines est perçu et vécu comme une évidence pour une grande majorité de l’humanité mais quelques-uns pensent encore que c’est une « TRUMPerie ». Je me rends compte aujourd’hui, après plus de 40 ans de peinture que j’ai tenté, sans toujours en être conscient, au travers de ma peinture : dans mes paysages, mes machines agricoles, mes inondations ou mes incendies, de sensibiliser le spectateur à la fragilité de la nature … J.L. R

LAB Florence

La technique de la sérigraphie me permet de mêler photographies retouchées, aplats de couleur et dessin, et d’ouvrir ainsi la voie à un univers graphique épuré et poétique.
Mon travail est traversé par plusieurs thématiques : l’amour, le deuil, la nostalgie, l’enfance. À travers mes créations, je cherche à sublimer ces instants sensibles de nos vies, en leur offrant une nouvelle lecture, à la fois intime et graphique.

LAFFICHE DANS LA RUE

Un personnage, Super-Baigneuse, maillot de bain une pièce noir, bonnet de bain noir et masque de Zorro, elle met en évidence les petits couacs des ruelles toulousaines, elle nous raconte des histoires, elle prend parti pour un monde humaniste.
Tout est bon pour la représenter, affiche en papier ou planche de bois, je la colle, l'installe dans un décor unique, les rues de la ville rose. Chaque Super-Baigneuse est un modèle unique, réalisée, découpée et peinte à la main, sur mesure. Je propose un parcourt dans la ville, une cartographie éphémère, pour finir dans mon atelier, mon salon, ma cave, afin de mieux comprendre le processus de création et les futures œuvres à venir.

MAURER Anne-Frédérique

Aujourd’hui, je pratique la gravure en taille douce.
Des sujets introspectifs, oniriques côtoient les autres qui parlent de ce que je vois en bas de chez moi, en ville,
et qu’il m’est urgent de dire. Ma perception des choses va vers ce qui est doux-amer.
De petites séries, dessinées, modelées, brodées finissent par tracer un chemin que je suis.
Si je développe mes projets seule
j’envisage aussi comme une évidence les résidences de création partagées
avec d’autres artistes.
Mon travail est visible sur instagram @annefrederiquemaurer.

MAUBERT Evelyne

Dans mon travail polymorphe, j’explore les ramifications d’histoires collectives, la fragilité écologique, la place sociale de l’individu, l’altérité, les combats intérieurs, le silence.
Je mets en lumière des présences anthropomorphes ou hybrides, de manière neutre, dans le but de créer un questionnement, d’ouvrir le débat.
Le point de départ peut être une information journalistique, une loi votée, une injustice, un fait de société ou, de manière plus proche, mon histoire personnelle.

ROUGET Jean-Louis

Ce sont des rencontres qui ont nourri mon travail, déjà au collège avec le peintre Bernard Ryon puis avec le peintre entomologiste et orientaliste Jeanne Agache-Pointet. J’ai aimé travailler dans l’atelier de Daniel Schintone et dans celui de gravure de René Izaure à l’école des beaux-arts de Toulouse. Les années passées dans l’ancien atelier du peintre Henri Martin à Labastide-du-Vert dans le Lot ont apporté à mes peintures réalisées sur le motif : sincérité et sérénité. J’aborde par la peinture, l’air de rien, les crises sociales et écologiques qui secouent notre terre, mais toujours avec douceur et bienveillance. J’aime isoler un détail qui donne la liberté au spectateur d’imaginer l’hors-champ. Ma peinture est une proposition à voir peut-être autre chose que ce qu’elle veut bien montrer. J’aime les notations rapides que permettent le crayon, l’encre ou l’aquarelle, où dans ces moments fugaces, tout est possible, rien n’est interdit, c’est juste le bonheur de peindre.

CARCANAGUE Marie-Hélène

Enigmes muettes, les traces, les empreintes et les cicatrices du temps m’interrogent et m’inspirent. Chaque surface raconte une histoire.
Je m’aventure dans les textures, les superpositions de couches, en transparence ou en épaisseur.
Entre abstraction et figuration, j’explore les mystères de l’être humain, espèce d’animal mal élevé, dans le biotope qu’il s’est créé. Dans ce monde en désordre, je m’évade aux frontières d’un univers imaginaire et fantaisiste.

HOCINE A

Pour cette série de dessins je me suis intéressé à la représentation des arbres et plus particulièrement aux troncs, aux écorces et aux racines. Les croquis réalisés sur place ont étés retravaillés en atelier me permettant ainsi de m’approprier mais aussi d’interpréter ces formes évocatrices, puissantes et fantasmagoriques.

PIMA

Mon travail de sculpture consiste à déconstruire les masses pour mieux parler de l’entre-deux , ce rapport plein- vide qui met en tension notre volonté de mouvement. Sculptures en métal, du petit format au monumental, mes œuvres abstraites sont réalisées dans mon atelier à Layrisse dans les Hautes-Pyrénées (65).

CLEVENOT Dominique

Ma démarche photographique est en partie empirique. Plutôt que de produire des photos répondant à un projet préalablement défini, je cherche à me rendre disponible pour capter, au cours de mes déplacements, proches ou lointains, les images qui font écho à mes sensations ou mes sentiments intérieurs. Il s’agit souvent d’une forme de transfiguration du banal, une façon de faire dire aux images plus que ce qu’elles ne montrent.
Mais ce qui m’intéresse tout autant que la prise de vue et la production d’images, c’est la mise en relation de ces images. C’est là un travail second qui, en jouant sur la mise en espace — espace du livre ou du mur— et sur les rapprochements formels ou sémantiques, permet de produire des effets de sens ou des esquisses de récits offerts à l’interprétation du spectateur. Des récits ou des interrogations ?

GAYRAUD Patrick

Patrick Gayraud utilise les matériaux qu’il découvre. Il construit, il agence avec des matériaux détournés : compressions d’appareils photo “jetables” devenant sculptures colorées, feuilles de rodhoïd devenant pellicules irisées aux images fantasmatiques, papier devenant relief de paysages incertains, un univers de couleurs, de contrastes, qui nous conduit quelque part du côté du rêve.

Visiter son atelier c’est aussi visiter un petit musée.

LABORIE ORTET Salomé

Je m’intéresse aux moments où un lieu se décale ; quand il cesse d’être évident et quand quelque chose commence à bouger, même très peu. Ce point instable, juste avant la bascule.
Je travaille avec ce qui se superpose, avec ce qui traverse, avec ce qui glisse. Je m’attache à l’instabilité du lieu, à ce qui persiste sans s’imposer, à ce qui agit encore comme une mémoire de forme.
Le verre permet trois états de l’image :
L’image reflétée, où l’on se voit : la réalité en miroir.
L’image peinte : la transfiguration du réel, la réalité racontée, un récit.
L’image vue à travers, celle du lieu, celle du mur : la réalité brute, telle qu’elle est.
Le verre peut aussi être lu comme trois états du temps : passé, présent, futur.
Par sa transparence, il permet de voir toutes les couches en même temps. Tout s’interpénètre.
Un lieu-paradoxe, sans épaisseur, qu’on traverse pourtant. Comme un fantôme qu’on voit pourtant.
Ce qui m’intéresse, ce n’est pas la frontière, c’est la membrane, la friction, le glissement. L’état intermédiaire. Trop mince pour être vu, trop évident pour être pensé, toujours entre deux choses plus massives. L’endroit où ça se touche : le seuil.
Ma peinture se situe au point de contact entre mon corps et le monde, entre le geste et le retrait, entre l’action et la réserve. Je cherche la juste échelle en plaçant mes pièces là où je me placerais si j’avais à occuper l’espace.
Je travaille aussi avec des moments où un lieu de vie bascule, où il cesse d’être stable. Le seuil n’est pas habitable. Où sont les habitants d’un lieu quand il est en état de seuil ?

HEATH Sadhu

Ayant baigné dans un environnement créatif dès le plus jeune âge, la pulsion créatrice m’a toujours accompagné de manière protéiforme. Tout d’abord au travers du dessin qui a toujours été la base de ma pratique, puis, petit à petit, se sont incorporées une multitude de passions diverses, artisanat (vannerie, broderie, tissage), la photographie argentique, la micro-édition, le collage puis le graffiti, qui a occupé les 10 dernières années. J’essaye, dans ma pratique actuelle, de rassembler ces médiums sur un seul support, comme pour rassembler les parties de mon identité fracturée.

Mes influences viennent tout autant de ma formation théorique (licence d’arts plastiques), de mes voyages (Inde, Asie du sud-est, Balkans..) que de mon expérience de la rue par le graffiti. Les métiers que j’ai exercé dans le bâtiment m’ont aussi apporté des outils techniques, les objets que je fabrique sont donc en très grande partie faits main, les châssis, les cadres, et parfois les toiles sont faites dans une optique la plus artisanale et éthique possible.

J’explore des thématiques introspectives, sensibles et sociales en lien avec l’actualité politique, en essayant de mettre les victimes d’un système répressif et ceux qui le combattent au premier plan. Comme le graffiti est une voie qui offre aux invisibles de la société une opportunité de prendre la parole, il me semble être mon devoir d’utiliser cette visibilité au profit de ceux qui n’ont pas de voix.

RATURE Bébert

Tout démarre d'une obsession tenace pour la ville.
Après des années d'études au carrefour des sciences sociales (sociologie, philosophie, économie entre autres) cette fascination urbaine s'est transformée par la pratique. Pêle-mêle vidéo, micro-édition, performance scénique, création sonore et photographie se croisent. S'obstinent à filtrer la modernité, à déchiffrer l'environnement construit en imagerie pour donner du geste aux principes de recherches.

La ville mute alors en sujet sensible, en zone délicate.
Ses rythmes, ses matières, son quotidien se trouvent différentiellement transposées, assemblées comme une mosaïque faites de miroirs brisés. Entre démolitions, survivances historiques, et nouvelles architectures se creuse le vertige du sol.
Du béton, des reflets, des rues, des carreaux, des câbles, autant de matières à ce travail de nature morte.

KOWSKI

Kowski réalise des collages, en récupérant tout ce qui peut être collé dans les magazines, dépliants, affiches, mais aussi avec des matériaux (bois, verre …).
De là il assemble les pièces trouvées jusqu’à ce qu’un message fort s’en dégage soit en détournant le message d’une photo déjà existante, soit en créant totalement un visuel, ou soit en créant en 3D de toute pièce la structure d’un ensemble abstrait. Il utilise plusieurs outils et techniques de découpe, avec plusieurs matières et façons de coller. Il conçois dans le but de faire réagir par rapport aux messages que véhicules des images distinctes qui se retrouvent finalement assemblées et donc liées entre elles. Ses collages laissent la porte ouverte à une ébullition de matière grise, il créer soit pour véhiculer un message impactant ou bien pour transmettre un imaginaire plus abstrait et plus ouvert à l’anarchie des pensées.

ATELIER ROUGET-FOURNIE

"L'Art, une histoire de famille"
J.L. Rouget le père est peintre,
F. Fournié la mère est sculpteur-céramiste,
E. FourniéR la fille est photographe,
quand des univers parallèles se croisent et dialoguent sur la Nature, le Corps, le Voyage et s'enrichissent des différents techniques utilisées. "Nos pratiques nous permettent de transposer nos perceptions du monde, mais c'est l'Art qui nous transforme."

CARNEVALE Marie

« Le temps, le reste, l’héritage, voilà ce qui me met en route.
Quand à la forme, je suis dans le plaisir du faire et l’exploration de la sensualité des matériaux.
Les évènements qui jalonnent ma vie, nos vies, entrent en résonnance avec ma pratique artistique.
De fait, l’humain m’intéresse jusqu’aux traces de son absence et je me suis naturellement emparée du crâne.
Impudique et fascinant, il est une représentation de l’humain, autoportrait universel et objet d’art en soi.
« Memento Mori » !
En m’appuyant sur le vocabulaire de la Vanité, j’emploie un procédé formel utilisant un motif comme outil
visuel (crâne humain, grains de riz, mouches, racines) et lui applique le langage du hasard, du
dépouillement et de l’accumulation jusqu’à la saturation et exprime ainsi une mesure du temps. Je me sers
de différents médiums pour explorer la forme accumulative d’un même motif. La peinture, le dessin, la
gravure, la collecte photographique, le moulage, la céramique et la broderie nourrissent ma réflexion sur la
perception de notre temps contemporain.
Je vais à mon pas pour aborder le rivage d’une phase méditative dans le silence et la lenteur. »
Marie Carnévalé, vit et travaille à Toulouse. Elle s’est formée auprès du peintre Alain Corret en
fréquentant l’atelier de dessin de modèles vivants à l’école des Beaux-Arts de Toulouse ainsi qu’auprès du
peintre Bertrand Meyer-Himhof à l’atelier « Couleurs » de l’université de Toulouse Le Mirail

Archivé: SIERPINSKI Jacques

Jacques Sierpinski est photographe indépendant depuis 1978. Il vit à Toulouse et mène une recherche personnelle sur le territoire et la mémoire

Archivé: GRANIÉ Virginie

La photographie est pour moi une passion née dans l’enfance, peut-être le jour où j’ai remporté mon premier appareil photo en plastique lors d'une fête foraine. Je crois que j’y ai découvert une manière de voir, de détacher, de choisir aussi certainement. Vers 14 ans, j’ai eu mon premier reflex, et c’est plus tard, à l’université, que j’ai rencontré le monde du laboratoire photo. Dans les années 2000, j’ai décidé d’y consacrer plus de temps et j’ai suivi une année à l’ETPA en parallèle de plusieurs ateliers menés par Jean-Luc Aribaud.
Depuis une vingtaine d’années, je fais également partie du collectif de photographes « VERTIGE », un espace de partage et de création qui alimente mon regard.
Je pratique la photographie de manière intuitive, spontanée, sans me poser trop de questions. J’aime autant la photo de rue qu’expérimenter diverses pratiques comme la surimpression, les tirages spéciaux, les cyanotypes, j’aime métamorphoser l’image, la rendre plus énigmatique.

Archivé: DEMEREAU Geneviève

Le crayon me plaît bien.
La gomme aussi, parce que dessiner en effaçant, c’est drôlement intéressant.
Et maintenant le pinceau. Sacré matière que ces peintures, avec toutes leurs couleurs !
Je fais aussi des combinaisons de volume, des mises en espace, des installations quoi.
Tout ça pour exprimer des choses. Et des choses, c’est pas ce qu’il manque.

Archivé: PIMA

Mon travail consiste à déconstruire les masses pour mieux faire parler de l’entre-deux , le vide qui met en tension notre volonté de mouvement. Sculptures en métal, du petit format au monumental. Œuvres abstraites réalisées en tôle dans mon atelier à Layrisse dans les Hautes-Pyrénées (65).

Archivé: BUAILLON Laurence

Mes personnages sont souvent issus de la littérature ou de ma propre mythologie. Ils témoignent d’une quête, de l’inaccompli de l’existence. J’essaie d’attraper l’instant, comme pour le figer.
Je cherche à exprimer l’indicible porosité, l’inquiétante étrangeté du féminin.

Archivé: CARNEVALE Marie

Grands, gros, gras, grains de riz, LES ULTRAS RICHES

« Le temps, le reste, l’héritage, voilà ce qui me met en route.
Quand à la forme, je suis dans le plaisir du faire et l’exploration de la sensualité des matériaux.
Les évènements qui jalonnent ma vie, nos vies, entrent en résonnance avec ma pratique artistique.
De fait, l’humain m’intéresse jusqu’aux traces de son absence et je me suis naturellement emparée du crâne.
Impudique et fascinant, il est une représentation de l’humain, autoportrait universel et objet d’art en soi.
« Memento Mori » !
En m’appuyant sur le vocabulaire de la Vanité, j’emploie un procédé formel utilisant un motif comme outil
visuel (crâne humain, grains de riz, mouches, racines) et lui applique le langage du hasard, du
dépouillement et de l’accumulation jusqu’à la saturation et exprime ainsi une mesure du temps. Je me sers
de différents médiums pour explorer la forme accumulative d’un même motif. La peinture, le dessin, la
gravure, la collecte photographique, le moulage, la céramique et la broderie nourrissent ma réflexion sur la
perception de notre temps contemporain.
Je vais à mon pas pour aborder le rivage d’une phase méditative dans le silence et la lenteur. »
Marie Carnévalé, vit et travaille à Toulouse. Elle s’est formée auprès du peintre Alain CORRET en
fréquentant l’atelier de dessin de modèles vivants à l’école des Beaux-Arts de Toulouse ainsi qu’auprès du
peintre Bertrand MEYER HIMHOFF à l’atelier « Couleurs » de l’université de Toulouse Le Mirail

Archivé: COLLECTIF RÉVÉLATEUR D’IMAGINAIRE

Le Collectif Révélateur d’Imaginaire s’attache à offrir au regard des images poétiques, empreintes d’onirisme, à la lisière des techniques (photographies ressemblant à des tableaux, encres ressemblant à des photographies).

Archivé: MAUBERT Evelyne

Dans mon travail polymorphe, j’explore les ramifications d’histoires collectives, la fragilité écologique, la place sociale de l’individu, l’altérité, les combats intérieurs, le silence.

Archivé: JAMMES Julien

Je poursuis différents projets en lien avec des questions réflexives. Je les ai intitulés Lignes de crêtes, Miniatures, Passages, Histoires particulières, etc. Voici un extrait des deux derniers :

1. Des Versets
J'ai écrit un poème pour mon père et me suis servi de versets pour construire mes tableaux, écrivant inlassablement les mots, le rythme de la phrase, les superposant jusqu'à ne plus rien lire. Puis j'ai continué à écrire avec des outils effaçant les couches cumulées au fil des mois (…).

2. Vibrants
Je suis parti marcher en Laponie, j'y ai ressenti l'immense bonheur d'être dans une nature vaste et sauvage sans danger. Cette série évoque le vivant dans ses moindres détails, son grouillement incessant et invisible (…).

Archivé: CARCANAGUE Marie-Hélène

Enigmes muettes, les traces, les empreintes et les cicatrices du temps m'interrogent et m'inspirent. Chaque surface érodée raconte une histoire.
Entre abstraction et figuration, avec en arrière-plan un monde en désordre, j'explore l'être humain, espèce d’animal mal élevé, aux frontières d’un univers imaginaire et fantaisiste.

Archivé: LA RUE S'EXPRIME

"La rue s'exprime" est une installation urbaine participative qui a donné naissance à plusieurs « Expériences », des séries photographiques uniques.
Pour chaque « Expérience », une photo prise dans la rue est replacée dans l’espace urbain, là où elle a été prise. Installée sur une structure et imprimée en grand format, la photo est agrémentée d'une phrase et de feutres qui incitent les personnes à s'exprimer. Chaque jour, une photo de cette installation est réalisée et publiée sur instagram afin de voir l'évolution des messages et les traces du temps sur l'image.
Je propose de découvrir chaque « Expérience » : la série de photo prise chaque jour ainsi que le résultat final : l’image métamorphosée par les messages, enrichie ou détériorée, entière ou en lambeaux…

Archivé: TUJAGUE Christel

Dans mon atelier, véritable havre de paix au cœur des Minimes, je présente des collages uniques et originaux de formats divers, mais également des séries thématiques (Tour de France, Enfance, Signes du Zodiaque, Expressions populaires…).

Archivé: ROUGET Jean-Louis

Archivé: TUJAGUE Christel

Archivé: ROUGET Emilie

La quarantaine et des lunettes, un regard différent et multiple sur le monde…une photo documentaire engagé /décalé

Archivé: BROSSARD Bernard

Ma peinture dépend du motif qui va apparaître sur la toile, brut, libre. Avec les empâtements et les jeux chromatiques il s’enrichit de nouvelles dimensions, entre vide et plein, la couleur vibre de la lumière ou de l’ombre. D’autres éléments comme les silouhettes interrogent l’espace qui nous entoure.
C’est un équilibre instable dont je m’efforce de garder le contrôle, une approche du langage des couleurs et du sens éphémère de notre nature.

Archivé: COLIN-FOLCO Louise

Détail de l'oeuvre Nouées, 2020. Tissage. Louise Colin-Folco

Je travaille principalement le tissage et la couture en parallèle de l’écriture.
Pour moi, ces pratiques artistiques se répondent. Ce sont des modalités d'expression qui me permettent d'appréhender différemment les notions de linéarité, de mémoire et de point de jonction par où une chose se donne à voir en regard d'une autre dans un ensemble.
Dans mon travail j'interroge la notion de trame. Autrement dit, ce qui permet la jonction ou l'alignement d'objets, d’instants ou de tonalités différents sur une même ligne ou dans une même composition.
Concrètement, ce que j'aime créer, ce sont des œuvres fragmentaires qui amalgament toutes sortes de choses et questionnent la notion de linéarité. Linéarité d'un itinéraire, d'une identité, d'une mémoire, d'un moment…
Ce qui me plaît particulièrement, ce sont les écarts, les soubresauts, les manques et des raccordements hasardeux qui viennent "faire défaut" dans un assemblage.
Dans mon travail, je mélange à la fois des éléments organiques, des brindilles, de la céramique, des plantes, des roches, de la cire, des nids d'oiseaux, des morceaux d'écorces, des os ; mais également des tirages photographiques de différentes époques.
En réunissant tous ces éléments de factures différentes et chargés pour moi de significations différentes, je donne à voir la fragilité ou plutôt la porosité de certains fragments qui, au contact d'autres choses, s'activent, s'agitent différemment.

En somme, je dirais donc que mon travail artistique, tant plastique que littéraire, consiste à trouver, récolter, mélanger ou réunir des fragments, de petites choses ténues que je glane. En les unissant, je tente d'en faire jaillir de nouvelles possibilités et de proposer de nouveaux chemins de mémoires touffus, racinaires.

Archivé: LA RUE S’EXPRIME

“La rue s’exprime” est une installation urbaine participative qui a donné naissance à plusieurs « Expériences », des séries photographiques uniques.
Pour chaque « Expérience », une photo issue d’une précédente série, “Urban still life” (des objets et meubles abandonnés dans les rues) est replacée dans l’espace urbain, là où elle a été prise. En grand format, elle est agrémentée d’une phrase et de feutres qui incitent les personnes à s’exprimer. Chaque jour, une photo de cette installation est réalisée afin de voir l’évolution des messages et les traces du temps sur l’image.
Je propose de découvrir chaque « Expérience » : la série de photo prise chaque jour ainsi que le résultat final, l’image métamorphosée par les messages, enrichie ou détériorée, entière ou en lambeaux…

Archivé: LAULHÉ Isabelle

Il y a le silence de l’atelier et puis le grain d'une toile, celui d'une feuille Velin, de Chine, l'odeur de l'encre… Tout commence, se reprends, se poursuit, il y a dans ce monde tant et tant à explorer, à penser, à aimer.
L'estampe et la peinture sont mes moyens d'expressions. Grâce à eux ont surgi tout le long des dernières décennies des paysages désertiques, des architectures enfouies, des jeux avec l'élégance des écritures.
Aujourd'hui, quand tournent les roues des presses c'est pour les Rêveurs, les Eternelles, les Enchanteurs et autres Sentinelles de notre Terre.

Archivé: FATIN Aurélie

Ayant longtemps travaillé l’installation, je reprends principalement une pratique de dessin à partir de 2019 et plus récemment de céramique. Je m’attache à explorer l’organique, le vivant par des processus de prolifération des formes. Mes dessins s’inspirent des formes de la nature, du corps vu sous sa dimension microscopique, évoquant tantôt des veines, des cellules, des synapses, tantôt des branches, végétaux, pierres. Chacun y lit ce qui lui parle le plus, les formes s’enchevêtrant les unes aux autres. Je travaille essentiellement à la pierre noire, au fusain et au crayon de couleur pour le dessin et en porcelaine et porcelaine papier pour la céramique.

Archivé: LUCCE

Lucce, artiste muraliste et plasticienne, joue avec les matières, l’ombre et la lumière, le vivant
et l’insaisissable. Elle se découvre et nous livre l’intime..
Traduction en couleur d’une palette d’émotions qui lui appartient et nous touche. Sans fard,
elle nous demande le temps d’une œuvre de se questionner sur notre rapport à soi, à l’autre,
au vivant, aux désillusions, et à cette lumière qui nous anime.
Alliant le pinceau à la bombe, ses supports de prédilection sont les murs des rues qui
permettent des moments d’échanges, une ouverture sur l’art accessible à tous.
Sur toile comme sur mur, Lucce cultive la poésie de l’accident.

Archivé: LABORIE ORTET Salomé

Le travail de Salomé Laborie Ortet interroge la dimension fantomatique qui subsiste au-delà de l’expérience physique de notre environnement. Elle cherche à établir un lien entre notre appréhension des champs matériels du monde et notre capacité à percevoir d’autres réalités.
Ce qu’elle poursuit est l’endroit où nous accompagnent les souvenirs, les impressions, la mémoire collective, les projections.
La question du lieu est un élément central dans sa pratique. Elle interroge ce qui, au-delà de l’espace, fait l’énergie du lieu à travers sa mémoire, son architecture, sa topographie et sa dimension immatérielle, qui habite dans un milieu qu’elle nomme le fantôme. Les éléments architecturaux par exemple, sont mis en scène comme des formes archétypales qui figurent les repères nous accompagnant dans la traversée du lieu fantomatique. Plusieurs des projets de l’artiste s’articulent autour de cette notion de lieu, notamment la résidence à La Passerelle Negreneys, où elle travaille sur la destruction partielle du quartier Negreneys.
Les supports qu’elle sollicite sont souvent caractérisés par la transparence (verre, plexiglas, soie, bâche). Cet aspect permet à leur environnement d’interagir avec eux et d’expérimenter la symbiose entre la forme et son milieu.
L’intérêt pour plusieurs disciplines accompagne la pratique de Salomé. Les théories de la philosophie quantique et les expériences de physique quantique contemporaines répondent à des questionnements qui ont jalonné son parcours artistique et font avancer sa réflexion et sa définition du fantôme.

Archivé: Atelier ROUGET-FOURNIÉ

” A la croisée de nos univers… ” ou ” Une histoire de famille.”
La mère – Florence Fournié – sculpteur-céramiste, la fille – Emilie FournièR – photographe, le père – Jean Louis Rouget – peintre, vous invitent à découvrir dans leurs ateliers des univers parallèles qui dialoguent et s’enrichissent au travers de nos diverses pratiques artistiques. ” Trois styles, trois sensibilités à la fois différentes et proches : ” une famille quoi ! ” à cette occasion nous exposerons ” Nos souvenirs d’une balade au Japon en 2023 “

Archivé: FOURNIÉ Florence

Florence Fournié états de terres Céramique - 40 X 20 X 120 (2)

Archivé: JAMMES Julien

DES VERSETS
Dans cette série débutée fin 2023, je me sers de versets d'un poème personnel que je répète et superpose, les écritures sont rendues illisibles et j'en viens à utiliser seulement le rythme des syllabes pour accompagner les traces. Ces versets sont bien présents, ils constituent la peinture et pourtant ils ne sont plus là, comme un souvenir.

DES PAYSAGES
Dans cette série débutée en 2018, je dessine de vastes paysages en traçant des écritures sans mots, enchevêtrées, puis des points, pour chercher un effet de fourmillement, de flottement particulaire. C'est une nature vibrante à contempler.

Archivé: COMBES Véronique

Mon travail, principalement figuratif, en relation avec les questions actuelles, s’élabore à partir d’un lien intime entre support et sujet traité.
Sur des matériaux simples, presque ordinaires (planches, écorces, toiles cirées, couvertures de survie, plexiglass, canevas…) se dessinent des bribes de vies bafouées et se crée une esthétique qui se veut révéler toute la force et la dignité du vivant.
A travers cette perception sensible du vivant, dans un aujourd’hui incertain, un futur à construire, je ne cesse d’interroger nos existences, notre relation à l’autre et notre propre vulnérabilité.

Archivé: DEMEREAU Geneviève

J’ai tenté au fil du temps d’explorer avec mes dessins, la frontière sensible qui sépare le matériel de l’immatériel. Ce travail rigoureusement répété permet d’aller toujours un peu plus loin dans le laisser faire. Laisser les images se construire, à partir de quelque chose. La mémoire bien sûr, des archétypes, des mécanismes, des états émotionnels…

Archivé: MALIGOY Laurent

W-Maligoy Pause casse croûte 20240216_163510

Je fais de la peinture sans peinture avec des couleurs tirées de divers magazines qui constituent ma palette.
Je tente de saisir l’humain au-delà de ses agitations quotidiennes.
Voir aussi sur Artmajeur : https://www.artmajeur.com/fr/magazine/8-portraits-d-artistes/laurent-maligoy-le-grotesque-de-notre-quotidien/329909

Archivé: VERDIER Annelise

Autrice de bande-dessinée, prof de dessin et d’infographie, j’explore tous les domaines de la petite édition et de l’impression (fanzines, gravure Tetra Pack, peinture). Mes thèmes de prédilection sont les voyages, les hybridations culturelles, les migrations humaines.